卡农木吉他谱(吉他指弹为什么没有多少人欣赏)
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2024-02-22
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1. 卡农木吉他谱,吉他指弹为什么没有多少人欣赏?
都是喜欢弹吉他的,所以我发表下我个人的看法吧,指弹吉他其实想弹好并不是那么容易的,我也是一个吉他爱好者,玩吉他也有将近20年的时间了,不过也只是爱好,所以比不上专业的吉他手,指弹吉他我也只会弹一点简单的,因为平时也不怎么练,但是指弹吉他真的很好听,懂吉他的人自然会很欣赏,如果你弹给对吉他感兴趣的人,他们自然会很喜欢听,或者你弹一些有难度的歌他们会很羡慕你,会和你请教一下怎么弹,但是并不是所有人都懂吉他,都能欣赏指弹吉他,打个比方,很有可能你用吉他弹唱一首当下很流行的歌,或者很经典的歌会有很多人喜欢听,你指弹一首难度很高的歌,很炫技那种,听的人并不觉得好听,甚至可能会觉得很吵,因为他们可能不懂指弹吉他的魅力,也接受不了,所以更不可能会欣赏了,就拿我举个例子吧,我现在发一些弹唱的视频,有些歌我会自己做伴奏,添加鼓点,贝斯,主音吉他,伴奏吉他,非常的麻烦,还要做音色,还要每一个音轨调EQ,自己感觉弄的还不错,要知道,弄一首伴奏可能要花好几天甚至一周多的时间,结果发布了播放量惨淡的可怜,反而自己随意弹唱的歌还跟受欢迎,所以我也很迷茫哈,可能听的人不会管你是怎么追求原版做的伴奏,或者能理解你做音乐的思路,他们只会去听这首歌好不好听,虽然很受打击哈,不过只要自己喜欢,自己坚持就可以了,所以我感觉无论是指弹吉他,还是所有吉他风格方面的,我们坚持做好自己的这一块就行了,不可能会达到所有人都喜欢,坚持做好自己的爱好,如果有人喜欢不是更好吗,我是一个非常喜欢音乐,爱好吉他的人,所以我支持你兄弟,加油,做好你自己,不要太在乎别人的感受,用心的弹吉他做音乐,总会有人喜欢和欣赏你的,加油,祝你琴技越来越好,也欢迎每一位喜欢吉他的好朋友和我一起交流,大家共同成长进步[比心]
2. 提琴独奏有哪些歌曲合适?
首先我很喜欢一些带有中国风的小提琴独奏曲目,比如著名的梁祝,新疆之春,鸿雁等等,这些曲目都很经典,旋律悠扬,长度适中,并且有很多不同难易的版本可以供水平不等的提琴练习者学习。
但是我认为,小提琴独奏的天花板,仍然是欧洲古典音乐,以下推荐一些超经典的小提琴独奏曲目。个人相对偏爱巴洛克时期的作曲和表演风格,永恒的经典。
小提琴的独奏曲目现代意义上的小提琴最早出现于16世纪早期的意大利北部威尼斯、热那亚等港口,并在欧洲大陆发展的相当成熟。我们选择独奏的小提琴曲目时,个人认为需要注意以下几点:
指法难度是否和自己的水平相符,曲目长度,指法,用弓技巧旋律是否悠扬动听,能够带来沉浸式的听觉感受是用作于日常的练习还是表演的曲目能否带来进一步的提升初学者(1年左右)約翰·塞巴斯蒂安·巴赫(德語:Johann Sebastian Bach,1685年3月31日-1750年7月28日),巴洛克時期的作曲家及管風琴、小提琴、大鍵琴演奏家,也是巴洛克音樂的集大成者。
巴赫的曲目无论学了多久,再回过头来看最初学的那首,你仍然会有全新的发现。
“Minuet No. 1”- J.S. Bach(巴赫)
“Minuet No. 2” – J.S. Bach(巴赫)
弗朗索瓦·约瑟·戈赛克(Francois Joseph Gossec,1734-1829),法国作曲家、指挥家。
“Gavotte” – F.J. Gossec
进阶练习(2,3年左右)“Gavotte” from Mignon – A. Thomas
这是Suzuki教材中的一个曲目,算是从初阶过渡到中阶的一个不错的选择,旋律生动活泼,指法简单。
12路德維希·范·貝多芬(德語:Ludwig van Beethoven,1770年12月17日-1827年3月26日),德意志作曲家、钢琴演奏家
学西洋乐器,怎么可能不遇到两首贝多芬的曲目呢?
“Minuet in G” – L. van Beethoven(贝多芬)
路易吉·博凯里尼(Luigi Boccherini,1743年-1805年5月28日)意大利作曲家、大提琴家
“Minuet” – L. Boccherini(博凯里尼)
安东尼奥·维瓦尔第(Antonio Vivaldi,约1675-1741) 巴罗克时期意大利著名的作曲家、小提琴家。 自幼学习小提琴与作曲,1714年起任威尼斯贫女音乐学校教师及乐长。 ... 他最著名的作品是小提琴协奏曲《四季》
这是我最爱的作曲家,没有之一!!
“Concerto in A Minor” (1st Movement) – A. Vivaldi(维瓦尔第)
123儒勒·埃米尔·弗雷德里克·马斯内(法語:Jules Émile Frédéric Massenet,1842年5月12日-1912年8月13日),法国作曲家,音乐教育家。 最出名的是他的歌剧,他写了三十多首。 ... 马斯内生于卢瓦尔省附近的小城镇,父亲是高级工程师。 他从小就显露出在音乐上的天赋,11岁时进入巴黎音乐学院。
“Méditation” (From Thaïs) – Jules Massenet
这首实在是太经典了,听到就酥了。
12进阶,无论学了多久的琴,都可以不断尝试的经典曲目这个我就不一一找谱子了,推荐一些我平常喜欢听的提琴独奏(大提琴,小提琴)
“The Swan” (From The Carnival of the Animals) by C. Saint-Saëns——圣桑,《天鹅》Paganini Caprice No. 1——帕格尼尼,第一章绪论(好难!!)Tchaikovsky Violin Concerto in D major, Op. 35 ——柴可夫斯基(1878年的作品,半个多小时,传世经典,最喜欢Itzhak Perlman的演绎)Four Seasons, Vivaldi——《四季》维瓦尔第(最爱,疯狂安利!)还有好多,懒得写了。。。。先这样吧,以后有机会再续。个人的意见,独奏的提琴最秀还是小提琴,中提琴大多是在乐团中充当一个润色的作用(有人说拉中提的是因为小提拉不好才去学的,这个仁者见仁)
大提琴的独奏曲目我了解不多,需要由更加专业的人来回答~
3. 什么是空间和声学?
顾名思义,舞曲就是指用来跳舞的音乐。舞蹈与音乐的起源颇有渊源,历史很悠久,依性质可分四大类:第一种是仪式的舞曲,大部分早期的原始民族在祭典上一定会跳舞,舞蹈一直是仪式的一部分。第二种是表演的舞曲,譬如芭蕾。第三种是社交的舞曲,主要流行于18——19世纪的欧洲。第四种是民俗舞曲,如各个国家不同的民族舞蹈。中文名舞曲分 类四大类目录1 音乐舞蹈关系▪ 舞蹈与节奏▪ 舞蹈与旋律▪ 音乐增辉2 外国舞曲▪ 伊斯坦比塔▪ 萨尔塔雷洛▪ 布兰诗歌▪ 嘉雅巴望▪ 西班牙舞曲▪ 卡农和吉格3 中国舞曲4 声乐类▪ 采茶舞歌▪ 花鼓调▪ 二人台▪ 佤族玩调5 器乐类▪ 花鼓灯▪ 秧歌▪ 芦笙舞▪ 少数民族乐舞音乐舞蹈关系编辑舞蹈是一门以人体为媒介的表演艺术。舞蹈通过人自身来展现,以动作为表现手段。而动作的美化必定纳入一定的节奏规范内。德国艺术史家格罗塞指出:“跳舞的特质是在动作的节奏的调整。没有一种跳舞没有节奏”。在舞蹈艺术中舞蹈与音乐之间是相互依存,互为因果又相辅相成的,融为一体不可分割的特殊关系。下面仪对舞蹈艺术中舞蹈与音乐之间的关系从三个方面谈谈粗浅看法。舞蹈与节奏舞蹈是一门综合艺术,它除了舞蹈本身之外还包括音乐、美术、文学、戏剧等,其基本组合是舞蹈与音乐,它们二者是一种生来的天然组合关系。我国是世界上四大文明古国之一,对音乐的记载可回溯数千年。古社会,人们在集体劳动中产生的有节奏的劳动呼声,形成原始音乐的萌芽,伴随着音乐的节奏、音调的形成还产生了舞蹈姿势。正是因为劳动赋予了音乐的节奏、音调还有舞姿,所以在远古社会,音乐、舞蹈结合在一起,我国古代文献将音乐称为“乐舞”便是这个道理。这是以天上西宫的星名“咸池”作为他的代表性乐舞的名称。《淮南子:天文训》中写道:“日出阴谷,浴与咸池”。以音乐和舞蹈反映古人的豪华迈幻想和对星辰的崇拜,在舜统治时期,代表性乐舞叫作《韶》,又称《箫韶》。这是占代非常著名的乐舞,孔子曾赞其“尽善矣,又尽善也”。秦、汉、两晋、南北朝时歌舞音乐是音乐发展的主流。声乐、器乐与舞蹈的结合一方面丰富和提高了歌舞音乐,形成了有艳、解、趋的较大型的歌舞音乐形式。另一方面反过来要求声乐部分能表达的更细致,器乐部分能变化得更多样,从此时起至隋唐为止,歌舞音乐在音乐艺术发展中愈益起着主导作用。唐代有情节的歌舞是后世歌舞剧的雏形,成为不成熟的初期戏曲。被称为“大曲”的大型歌舞是器乐、声乐与舞蹈连续表演的综合艺术形式,曾经达到较高的水平。著名的《霓裳羽衣曲》规模庞大结构严谨,虽早已失传,但从有关的记述和诗人、文学家所作的描写揣测,这是非常令人神往的音乐歌舞大曲。宋代形成独立歌舞剧体系,到明清时,歌舞趋向于特定故事情节的表演,演变成戏曲。在中国文化几千年的发展过程中,舞蹈和音乐一直紧密相联系,这是我国的“乐舞”发展的历史事实。在西方,古希腊荷马时代以后盛行一种音乐舞蹈结合在一起的合唱抒情歌和赞美歌、祝贺竞技获胜的庆贺歌以及赞扬英雄人物的颂歌。这说明当时音乐舞蹈结合的广泛。公元十四世纪至十七世纪,欧洲文艺复兴时期,西方的音乐艺术特别活跃,音乐写作技术走在前面,独立的器乐有了大的进展,在音乐发展的同时,也促进了舞蹈音乐的新发展。到了十六世纪至十发世纪,欧洲音乐进入了一个新的阶段,特别是这时候的舞曲在器乐作品中获得极为多样的变化,大大促进并提高了专业音乐创作的发展和水平,这十分有利于舞蹈艺术的前进。这都表明,舞蹈和音乐的特殊密切关系是有历史见证的,与其说它们是姐妹、兄弟,不如说是“双胞胎”。当然作为独立的艺术类别,各有不同的发展,但在舞蹈艺术中,音乐和舞蹈基本上没有分开过。这是舞蹈和音乐相互关系的最简单历史,但所有的历史现象都并不是偶然的。在舞蹈艺术长期发展过程中,舞蹈和音乐的结合自然也应有它们共同的科学依据。音乐是时间的艺术,而舞蹈在某种意义上说也是时间的艺术,因为音乐和舞蹈都要表达一个进程,即进行着的进程。音乐表达内容和情绪的进程是靠音乐联系的,舞蹈表达内容和情绪的进程则是依靠动作的连续。就作为时间艺术的舞蹈整体概念而言,一个孤立的动作只构成画面,是静止的,不是舞蹈的典型现象。音乐的时间单位是音调和节奏,舞蹈则是姿势和动作。舞蹈整体要用节奏、节拍来组织,音乐也是如此,节奏、节拍是音乐整体的骨架。音乐和舞蹈都属“动”的艺术,它们都受不可停止的进程所制约,就是说,在整体或完整的部分进程中,一般不能停下来,停下来意味着终止结束。这是舞蹈与音乐结合的基础,同时因为听觉和视觉的感觉不同,音乐能弥补舞蹈的“局限”,而舞蹈则使音乐获得某种可能的视觉印象,给音乐作出可见的解释,从一定意义上说,在舞蹈艺术中,音乐正是舞蹈的声音,舞蹈则是音乐的形体,一个有形而声,一个有声而无形,它们的结合反映了人的智慧。舞蹈与节奏密不可分。舞蹈与旋律舞蹈之所以离不开音乐,首先基于舞蹈艺术中对声音的本能需要,还由于音乐对舞蹈的另外一些重要作用,作曲家吴祖强先生认为:“配合并帮助舞蹈在整个过程中表达情绪、体现个性、烘托气氛、塑造形象的作用和具体帮助舞蹈动作的作用,前者属于表现方面,后者属于结构方面,结构为表现服务”。对于吴祖强先生观点的理解,要求我们对音乐的构成特点有一个概念: .1、音乐旋律的构成要素。音乐的构成要素有音高、节奏、节拍、和声、调式、调性、音色、音区等,将这些要素有机地结合起来就构成音乐旋律,这些要素的组合多种多样,因此出现了千差万别的音乐。2、乐曲的形式和体裁舞蹈占有空间比较具体,而音乐抽象又不能停留,所以音乐有想方设法使听众对音乐留下印象,这样便促进了音乐创作的发展。音乐形式多种多样,和声学、曲式学、配器法都在一定范围内归纳了音乐形式和组织结构的一个方面,音乐形式的主要方面是创作实践中构成的各种典型格式即曲式。明白了曲式,就抓住了乐曲的整体,包括段落、层次、规模和整个音乐发展过程,因此就形式这个名词的广义来说,任何音乐形式都是用来表现思想内容的一切手法,与组成这一个音乐的所有要素的总和及统一。乐曲在实用中形成了各科,不同样式和类型称之为体裁,它们可以由各种曲式构成。进行曲、夜曲、交响诗、各种舞曲等是体裁的形式,而曲式则指乐段,曲式往往提示听众以结构规律,体裁往往提示风格和内容。3、 音乐是发展的艺术音乐是发展的产物,人们在长期音乐生活中,积累祖先的经验,不断变化,特别是舞曲,它样式多样,而且源于不同地区和民族在不断的发展、演变中,而成为大型乐曲的基础,如在十七世纪意大利作曲家斯卡拉底称为奏鸣曲的作品,基本上具有舞曲特征。舞曲逐渐进入非舞蹈范畴,影响着其它体裁,其它体裁也影响着舞曲。各式各样的不断发展舞曲又极大丰富着舞蹈艺术本身。艺术是创造的,一定要允许并且鼓励出新,舞蹈如此,音乐也如此,舞蹈艺术中的音乐当然也是如此。历史是前进的,随着历史的进步,艺术也得到了发展,得到了进步。因此说音乐是发展的艺术,在我们对音乐形式和体裁有了一个大概概念。我们才能真正的了解舞蹈音乐,也只有这样,面对舞蹈音乐时才有了充分的准备,可以与作曲者进行充分的讨论,并提出对舞蹈音乐的即合理又创新的要求。音乐增辉作为综合艺术的舞蹈艺术,谁都不能否认音乐和舞蹈是最密切的伙伴,从实践和理论上看,舞蹈艺术中音乐和舞蹈是血肉相连的伙伴。 在大型舞台剧中,音乐与舞蹈都具有戏剧性的结构,舞剧的角色、动作与音乐的关系是统一相辅相成的。如柴柯夫斯基为舞剧《天鹅湖》所写的音乐就是极为突出的例证,主要角色都有相对独立的音乐主题,并围绕着主题发展,创造出符合角色性格的音乐形象。舞剧音乐的整体是根据情节的发展,情感的起伏,性格的矛盾进行的。舞剧艺术的发展,像柴柯夫斯基这样的大作曲家参与舞剧音乐写作,促进舞蹈音乐的发展,长期以来,舞蹈家和音乐家都在为获得相互融洽的关系而努力,特别是在科技发达的今天,人们的生活节奏加快了,对音乐的要求越来越高,这便促使舞蹈编导和音乐创作注入现代的气息,也促进派了舞剧的大力发展,就世界范围来说,尤其是舞剧音乐,已经与交响诗、歌剧、室内乐等并列。在我国,舞蹈音乐创作也空前繁荣,福建省《惠安女人》这富有福建特色的大型舞剧以闽南文化为背景,以惠安女人大海般的情怀,采用富于地方色彩的乡土乡音,创作了一系列福建特色音乐,通过音乐节奏的变化反映了惠安女人有的命比石头还硬,在与命运的抗争中一代又一代繁衍生息的不朽精神。舞蹈大赛中,涌现出一大批优秀舞蹈音乐,第七届“桃李杯”舞、《俏花旦》、《新“阿里朗”颂歌》、《溜溜的康定溜溜的情》和以历史为背景的《无名花》音乐创作与舞蹈构思紧密结合,给评委和观众留下深刻印象获得大奖。“小荷风采"——全国优秀儿童舞蹈展演中,儿童舞蹈中的舞蹈和音乐都结合得很好,音乐创作突出了儿童心理和生理的特点,塑造了儿童生动活泼的音乐形象,使孩子们看了节目在视觉和听觉上都得到了巨大的满足,得到全面的艺术享受从而受到了聪明智慧的陶冶和启迪。甘肃的藏舞《小卓玛》无论是舞蹈和音乐都突出韵味,十分舒展,’非常和谐,耐人寻味。山西的《黄河娃》满台都是铝制造的大小不同的鼓、镲和小钹,舞蹈很奔放、很热烈。江西的《请你做裁判》表现了一位下肢残疾的小姑娘对大自然的美好向往,舞蹈动作中有停顿、有伸展,音乐也留出空隙,在空白的空间中,演员的动作在交流、在延续,音乐和舞蹈动作处理得非常恰当、融洽,在展示舞蹈内涵上,编导在艺术上进行刻意处理。这所有的一切都说明我国对发展舞蹈艺术、提高舞蹈音乐水平的重视,以及我国舞蹈音乐创作的长足发展。优秀的舞蹈音乐是舞蹈中的积极因素,好的音乐能为舞蹈增辉。总之,在舞蹈艺术中音乐将永远是舞蹈的最亲密伙伴,无论是从历史的角度,还是从发展的角度,它们都相互依存、互为因果又融为一体不可分隔的特殊关系,只有在认清楚它们之间的特殊关系,我们才能创造出好的舞蹈作品,才能提高和丰富舞蹈艺术。 [1] 外国舞曲编辑欧洲音乐史中,现在还能听到的舞曲大约可追溯至10世纪,那个时期欧洲流行游吟诗人的音乐,观众可以欣赏到动人的歌曲每每搭配着优美的舞蹈,或者歌舞不断交替进行着表演。伊斯坦比塔约在1280年,有一种流行于宫廷的三拍子舞曲,叫作伊斯坦比塔(Istampita)。其中最著名的一首是法国游唱诗人阿利博(Alibo)的曲子《五月》(Calenda Maya)。这也是在中世纪,或者更早的时期所流行的舞曲。我们现在能听到的这些早期音乐,都是近代一些古乐研究小组一起通力合作的成果,他们尽量忠实地还原当时的演唱方式,也许不尽然相同,但其风格大致上是可以掌握的。萨尔塔雷洛萨尔塔雷洛也是中世纪宫廷舞的舞曲,配合一种快速、活泼的舞蹈。而且到目前为止,仍然有许多作曲家写这种舞曲。比如19世纪的浪漫作曲家就是吸纳了它快速、活泼的特性,写了一些音乐,例如门德尔松的第四号交响曲《意大利》第四乐章就是萨尔塔雷洛。布兰诗歌布兰诗歌是12——13世纪所留下的诗歌手稿集,是流行于当时日耳曼一带的世俗诗,诗上留有一些符号,这些符号就是译成乐谱的依据,因为那时没有乐谱的记载,于是只能在歌词上做记号,譬如该往上唱,他们就往上画记号,往下唱就往下画,这就是所谓的“纽码谱”(neumes),其实,它不是完整的乐谱,它应该只是一种类似备忘录的符号,这种谱也只适用于原本已经会唱这歌曲的人,因担心唱错,于是做一些符号来提醒。20世纪德国作曲家奥尔夫(Carl Orff)曾在1927年,从古老的布兰诗歌中挑出20多首诗歌,重新替它们谱上音乐,所以目前我们所听到的布兰诗歌,又旧曲及新曲两种版本。布兰诗歌嘉雅巴望巴望舞曲(pedovana)与嘉雅舞曲(galliarda)13——14世纪之后,舞曲渐渐从舞蹈中独立出来成为器乐曲,而颇富趣味的是这些舞曲通常都是成双出现:前一曲是慢的,偶数拍,称为前舞;后一曲则是快的,奇数拍的,称为后舞。而这一对舞曲也有各自不同的名字。例如在前的巴望舞曲和在后的嘉雅舞曲就是最常见的组合。这样的一对舞曲后来就称为“对舞”。不论它们是什么样的组合和名称,一定都是两个性质不同的舞曲结合在一起,而这种结合最基本的原则就是前慢后快。但是到了16世纪,“对舞”一方面慢慢扩充为组曲,另方面则渐渐分开而独立了。印象派作家拉威尔就曾写过一首独立的巴望舞曲,这首原是为钢琴,后来改为管弦乐的巴望舞曲名为《为一位早逝的小公主而写的巴望舞曲》(Pavane pour une infante defunte),这是一首高贵、严肃、哀伤的音乐,经由拉威尔管弦乐的处理后,更加展现出巴望舞曲的风格。西班牙舞曲帕沙卡利亚舞曲(passacaglia)和夏康舞曲(chaconne)在西班牙,曾流行过两种既简单又特殊的舞曲,帕沙卡利亚和夏康。它们有一共同点就是音乐都从一个八小节的低音旋律为基础,并在这八小节低音重复出现的循环过程中,以八小节为一周期,变奏着高音声部,这和变奏曲是颇为相似的。后来巴赫以此形式写了一首非常有名的《C小调管风琴帕沙卡利亚》(Passacaglia for organ in C minor, BWV 582)。帕沙卡利亚的音乐是不停反复这八小节低音,上面的音乐就可以不停的即兴演奏下去,它是即兴的、幻想的,在有限的范围内作最大的发挥。尽管这固定的八小节低音,就某个角度来看,是一种限制,然而透过丰富的想象以及音乐素养,演奏者往往能创造出一个辽阔宽广的幻想世界。浪漫时期的作曲家也曾把帕沙卡利亚这种巴洛克舞曲引到交响乐里,勃拉姆斯的《第四号交响曲》(Symphony No.4 in E minor,op.98)中的第四乐章就是一首帕沙卡利亚舞曲。卡农和吉格巴洛克时期的帕海贝尔(Johann Pachelbel,1653——1706)留下一首非常有名的对舞——《卡农和吉格》(Canon and gigue in D major,T.337)。卡农是一首轮唱曲或轮奏曲,吉格则是一种快舞。卡农和吉格不仅把对舞的原则用音乐表达出来,而且这卡农也是由八个低音不断重复发展而成。这是一首非常精妙的作品,集巴洛克时代的音乐特征于一身:第一个特征是八个低音的夏康舞曲或帕沙卡利亚舞曲所发展出来的音乐,第二个特征是对舞(前舞与后舞)。中国舞曲编辑一种是从音乐本体角度划分为声乐(舞歌)、器乐(舞乐)两大类,或者再加上综合歌舞大曲,形成三类;另一种是以不同的音乐文化风格圈或音乐文化风格区为背景,以民间原发性舞种或“舞种群落”的传播和分布为依据,讲中国民间舞蹈音乐按乐系、乐族和乐种等不同层次进行划分。声乐类编辑声乐类民间歌舞音乐,即采用歌唱方式来表现民间舞蹈的内容情绪,并与舞蹈配合出现的民间音乐形式,又称为舞歌。采茶舞歌1、采茶舞溯源采茶歌舞普遍流传于浙江、江西、安徽、福建、广西、广东、湖南、湖北等著名采茶省区。2、采茶音乐(1)采茶家族、采茶歌舞产生和主要流行于我国东南地区,在全国各地的采茶音乐中,存在着一个由同一曲调母体繁衍而成的庞大的“采茶家族”,此“母曲”即江西于都的《采茶谣》(2)“采茶家支”——桂南采茶流行与广西的民间歌舞,有一百多年的历史,最初为人们在日常劳动生活中唱的“采茶歌”,后来发展为表演性歌舞,并出现了演唱历史故事和民间传说的叙事性内容。采茶歌歌舞表演主要采用“茶腔”和“茶插”两类曲调因素。 “茶插”:民间叫法,即在固定的“茶腔”中间随意插入对比材料的意思。 “茶腔”以载歌载舞表演为主;“茶插”以小场演唱为主。花鼓调花鼓舞流行与我国、山东、南方的安徽、浙江、江苏等汉族地区,在湖南、湖北、山西、陕西等省也有分布。狭义是指以安徽凤阳花鼓为代表的,手持、身背花鼓自击,载歌载舞表演的一类民间歌舞;广义则包括流行与南方的安徽花鼓灯、湖南地花鼓等表演性歌舞以及江西的夹湖花鼓等小型歌舞综合表演。1、花鼓灯的溯源2、表演形式常采用两人对舞的形式表演,一般为一男一女,男持小镗锣,女挎小花鼓,边歌边击,相对而舞。3、花鼓音乐花鼓调《凤阳花鼓》,又称为《凤阳歌》二人台1、二人台的溯源一种主要流传与内蒙、陕北、河北部分地区,兼具民间歌舞和戏曲特真的地方民间艺术,与“秧歌”有密切关系,其音乐唱腔一部分来源与蒙、汉两族民歌,另一部分则来源于晋北传入当地的丝弦小唱“打坐腔”。2、表演形式演员仅一旦一丑,旦持手绢、折扇,着凤冠和红绿衫裙;丑拿霸王鞭和折扇,戴毡帽,穿大襟黑衫,“二人台”因此而得名3、二人台唱腔可分为声乐唱腔与器乐牌子曲两类,唱腔用于剧情表演、歌舞表演和小曲清唱,可分为戏剧性唱腔、舞歌和小曲三类。(1)戏腔较具有代表性的一类,包括慢二流水、快二流水等成套板式的唱段。 “红不红要看《金钱》打得怎样,好不好听要看《西口》走得如何”(2)舞歌有一部分舞蹈韵律性较强的曲调类型,通常用于边歌边舞的表演。(3)小曲二人台中演唱的小曲,大部分原为当地民歌小调。二人台表演佤族玩调流传与云南省沧源县佤族地区,由妇女、儿童跳唱的风习性多声部舞歌,也称玩耍调。有跳调和唱调两种。佤族玩调的基本表演特点是歌、舞结合,以唱为主。1、舞种特点及表演形式(1)分排唱(2)绕圈唱2、音乐特点采用轮唱、一领众和、齐唱等演唱方式。狂野的佤族舞蹈器乐类编辑花鼓灯花鼓灯:一种南方汉族歌舞,主要流行于安徽怀远、凤台等县。每年春节至元宵节灯会期间,花鼓灯是必不可少的表演节目。据民间口碑资料,早在清光绪以前,花鼓灯就已形成了一套较完整的表演形式,有了较丰富的音乐和舞蹈。1、灯班组织: 灯班的角色,男角统称“鼓架子”,女角统称“兰花”或“包头”。每“灯班”都有专门的锣鼓乐伴奏乐队。2、表演形式:(1)开场表演:又可分为“上灯场”和“舞岔伞”等程序。(2)大场:又称“乱场”,为花鼓灯的主体。(3)转场:为大场和小场之间的过渡和衔接部分。(4)小场:有“小花场”、“双花场”等不同节目,系由2、3人表演的情节舞蹈。(5)盘鼓:可分为地盘鼓、中盘鼓和上盘鼓。(6)后场:属小歌舞剧部分,曲调为山歌和地方小调形成的“花鼓歌”。3、花鼓灯器乐曲:花鼓灯音乐可分为花鼓歌和器乐曲两个部分。花鼓灯的器乐曲以锣鼓为主,吹管乐为花鼓灯乐器三大件:“花鼓、大锣、大钹”秧歌汉族歌舞的主要形式之一,根据记载,秧歌始于“南宋灯宵之村田乐”。有狭义与广义之分,狭义的秧歌专指俗称为“地秧歌”和“高跷”的两凤阳花鼓类节目。广义的“秧歌”主要分两类:一类指民间节庆集会时,可穿插或同时表演的各种歌舞节目等;(如《旱船》、《龙灯》)另一类指某些在秧歌基础上向戏曲、曲艺过渡的艺术类型。(如二人台、二人转)1、秧歌的溯源(清)吴锡麟《新年杂咏抄》 [2] :“秧歌,南宋灯宵之村田乐也。……” 认为,南宋歌舞《村田乐》是秧歌的早期形式。东北秧歌 2、器乐类秧歌音乐秧歌音乐也可分为器乐与声乐两类。一般情况下,器乐主要用于大场舞蹈,声乐主要用于小场的民歌与小戏的演唱。芦笙舞是一种主要分布在我国西南部、中南部的少数民族歌舞,可分为芦笙舞和葫芦笙两大类。其中芦笙舞主要分布在贵州、广西和湖南等省的苗族和壮侗语族诸民族中;葫芦笙舞主要分布在云南、四川等省的藏缅语族彝族支各民族里。 云贵奇葩——芦笙舞1、芦笙舞的溯源唐代,樊绰《蛮书》说:“少年子弟暮夜游行闾巷,吹葫芦笙,或吹树叶,声韵之中,皆寄情言,用相招乎。”2、芦笙舞的形制、组合及表演形式芦笙采用竹、木所制,由笙斗、簧片和共鸣器几个部分组成。演奏形式约分为四种:独奏、对芦笙、套芦笙、芒筒芦笙表演形式上存在着一定的民族和地域性差别。(苗族)(1)芦笙排舞(2)芦笙队舞(3)踩芦笙(4)双人舞与单人舞3、芦笙舞音乐(1)体裁类型芦笙音乐可分为舞曲、礼乐、叙事曲和吹歌四类。(2)织体类型①单旋律型②主调型③复调型(3)曲式结构乐段:三截式、展衍式、带变奏的反复组曲:变奏体组曲、循环体组曲少数民族乐舞(一)藏族囊玛藏族的一种民间舞蹈艺术品种,一度受到藏族知识分子和歌舞艺人加工、规范后,被藏族封建贵族纳入宫廷,后又重性散步于民间。 “囊玛”是藏语的译音,原意是“里面”、“屋里”,也有人解释为“集中”。 [3] 1、囊玛的溯源“囊玛”的来由说法颇多:有说囊玛一词系外来借用语,是南亚大陆巴基斯坦一带的“呐嘎玛”(歌曲之意)的谐音,从拉达克传进来的。2、囊玛音乐囊玛音乐由中速的器乐前奏、慢板歌曲乐段、快板舞曲乐段三部分组成,具有定型性、程式性较强的音乐和表演程序结构。 囊玛音乐一般由笛子、扎木聂琴、扬琴、京胡、特琴、根卡、串铃等七件乐器组成的乐队演奏。囊玛 (二)象脚鼓舞流传在云南省的一种傣族歌舞,采用象脚鼓、铓锣和钹伴奏。五点钟,带有舞歌与打击乐曲循环交替出现,歌时不舞(奏)、舞(奏)时不歌的表演形式特征,又可分为象脚鼓舞、跟鼓舞、孔雀舞、十二马舞等多种类型。傣族《跟鼓调》是“做摆”(集会)时贺客队伍以歌舞酬谢、恭贺族人所唱的祝颂调,傣族称为“喊半光”。象脚鼓舞蹈 (三)维吾尔族木卡姆歌舞 木卡姆是流传于中国新疆维吾尔族地区的传统古典大曲,具有统一调式体系,以歌、舞、乐三者组合而成。1、木卡姆溯源一种观点认为:“木卡姆”一词源于木卡姆为古龟兹语,意为“大曲”。也有人认为阿拉伯语“玛卡姆”的音转,作为一般音乐用语有“声音”之意,作为音乐术语,则有“特定的调式,旋律的模式及其即兴演唱”。2、木卡姆音乐木卡姆音乐的两种歌舞组曲结构形式:其一是像十二木卡姆第一部分的歌舞组曲和第三部分麦西热普那样作为大型声乐、器乐套曲的一个组成部分;其二是像多朗木卡姆那样,其自身便是一个风格较为单纯的民间歌舞组曲。3,“麦西热普”(1)原意为“欢乐的晚会”,由三至六首节拍不同的舞蹈组成,没有间奏,甚至没有长于一个乐节的过门。(2)唱词木卡姆的唱词是一些内容不相关连的诗歌连缀起来的。(3)音阶调式以自然七声音阶为主,兼有五声、六声音阶。(4)伴奏乐器沙塔尔、弹波尔、独它尔、手鼓、热瓦普等。
4. 4拍的钢琴谱?
还有F大调小奏鸣曲、快乐的女战士、快乐的小天使、映山红、戈帕克舞曲、愉快的旅行、C大调小奏鸣曲、陀螺、卡农、听妈妈讲故事、G大调奏鸣曲、回旋曲、瞬间的幻想、啊坝夜会、唱灯。
5. 东成西就我爱你原曲什么名字?
歌曲名字:我爱你
作曲:威廉退尔序曲
谱曲:威廉退尔序曲
作词:黄沾
演唱:张学友
歌词如下:
我只能用一句,换我真诚意用心去吟的诗,
来求你,请姑娘你听一听,
听完我这一句,希望你会不嫌弃,
其实我这一句,这一句这一句这一句词儿,
是只有三个,是全部只有三个,
一二三哦,我爱你,
i love u,love u,love u,love u,love u,love u,i love u,
我爱你,我爱你,我爱你你你你,我爱你你你你,
我们来我们来我们叫一声,我们来我们叫不要皱着眉,
我们来我们来我们叫一声,和你呕叫一声,
让我来对你对你对你对你,欢乐叫声欢乐叫一声,
我爱你i love u,love u,love u,love u,love u,love u,i love u,
我爱你,我爱你,我爱你你你你,我爱你你你你,
我爱你,我是我是我是我是的确的确的确的确,
最爱你爱你爱你, love你。
(王祖贤白)我答应你哎哟哟活哎哟,
(王祖贤白)我恨死你了。
6. 零基础怎么识钢琴谱?
我是一名钢琴老师,跟钢琴谱打交道多年,分享几个基本的知识点:
1、五线谱首先,钢琴谱是五线谱。五线谱如名字,是有5条线组成,比咱们小时候写拼音的多一条线。五条线中间共有4个空白格子,称为“简”。五线谱就是由 5条线 和 4个间 组成。
2、高音谱号钢琴谱大部分都是两行谱子构成,一般上面一行是高音谱好,像一颗树一样高一些的。高音谱号上记谱大部分是钢琴中间往右,如果把五线谱看成一栋楼房,可以理解成音符位置越高,钢琴的音就靠右,是有序排列。
3、低音谱号低音谱号是像个耳朵一样的,同样道理,低音谱号是钢琴中间往左的低音。位置越低,钢琴的位置越靠左。
4、符头位置决定音高音符经常被大家称为小蝌蚪,那么决定音高的是小蝌蚪的头,即符头。符头在不同的位置上代表不同的音,不要去看尾巴,尾巴不决定他是什么音。
5、符头形状决定拍子上面讲到符头的位置决定音高,那么他的不同形状就决定了拍子。像鸡蛋一样没有尾巴的叫全音符,是4拍。符头空白的,像球拍一样的是二分音符,是2拍,等等。最好,根据实际的图去看,用语言描述会比较抽象。
6、拍号、小节线谱子最开头的高、低音谱号后面会有数字,上下写的42、44、43等等,这个是拍号,通常决定一小节里有多少拍。五线谱里面按竖格有规律划分的是小节,那条竖线叫小节线。每小节里面是2拍、3拍或是4拍都是固定的。
以上的建议,仅供参考,没有实列、不能面对面,用语言描述,可能存在一些理解误差,望见谅。也欢迎私信沟通。
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7. 民谣吉他中级该怎么学?
中级进阶者:2、什么水平刚刚摆脱初学者,成为中级进阶者?琴换成了1000---2000的(或者有换琴的冲动了),觉得挺爽的,会15个基本和弦,会弹唱20首比较简单的歌(什么是简单的歌,我也说不准,任何流行歌曲都有简化弹法)或者能弹下来5首比较简单的指弹,歌曲的话有三到四首自我感觉良好,指弹的话有一到两首,有点想给人表演,会爬格子,会基本调弦法,会扫弦,扫得不难听,知道有些和弦扫六根弦,有些和弦扫四根弦,当六线谱上的数字取代XX时,虽然很不适应,但是能勉强弹下来,会基本大横按(F Bm),大横按没有音按不响。特别喜欢练一到两个歌手的歌,或一个作曲家的指弹曲,喜欢模仿,希望能找到志同道合的朋友一起玩琴,基本每天没事儿的时候都想把琴拿起来摸一会儿,用过拨片、变调夹和调音器,找到了一本比较心仪的教材。最重要的一点是,每个人的生活都有排序,例如:1、生命2、事业3、男女朋友4、兴趣一、兴趣二、兴趣三5、社交。。。。。。、6、其它,吉他在你心目中至少已经摆脱其它这个悲催的地位了。后面的问题都是中级进阶者会碰到的: 3、 对于整天抱着的民谣吉他本身,有什么需要注意的?首先,琴最好已经是1000块以上的了,至少是面单琴,琴弦也最好不要再用爱丽丝了,而是往上走,木吉他琴弦价位大概(立欧20,达达里奥20---40,马丁50,散装Elixir70, 镀膜Elixir120)更贵的琴弦其实也不需要。琴弦既能用011的,也能用012的,不存在用了012的就嫌累的情况。上琴枕和下琴枕最好换成牛骨的,20块钱左右,弦钉也可以换成乌木的,最好不要再用塑料的了,当然更好的琴枕还有象牙的,40块钱左右。中级进阶者肯定要会换弦了,不能像初学者那样,还到处求人换弦。弦油和擦弦布要买,否则弦会锈的很快,一个月就失去弹性,滑起弦来很涩,经常保养一套120块钱的弦可以用半年。琴颈要学会调,要有调琴颈用的工具,会用砂纸磨琴枕,防止琴弦在高品离琴颈太远,弹起来不舒服。会自己装背带和简单的拾音器,因为表演的话背带和拾音器是必须的。拨片已经开始用不同厚度的了,厚一点用来弹SOLO,薄一点用来扫弦,最好能有专门装拨片的容器。 4、 如何看待和学习乐理?个人认为,音乐是心灵的养料,业余玩音乐,乐理绝对没有我们想的那么重要。它基本处在这样一个地位,你在吃白饭,乐理是一碗汤放在你旁边,什么时候你觉得白饭太干了,噎着你了,盛一碗汤就着喝一下。而不是你先喝一碗汤,然后吃白饭,首先,这碗汤专业的都只取一瓢饮,更何况业余的;其次,你整天想着喝汤,饭都吃不好,丢了音乐本身,要乐理干什么?什么时候觉得噎了,自然就产生了想补乐理的冲动,注意,是补,不是专门学,补是把你积累的歌曲和乐曲串起来形成套路,专门学时间精力上不划算,你一首BLUES曲子都没弹过,要BLUES乐理有什么用呢? 但是,当你觉得噎的时候,一定要去补,不要懒,否则有可能你这一生吉他水平就定格了。 好吧,下面是我学到的流行编曲乐理进步的步骤,仅仅个人经验 1、C和G调的歌曲弹了30多首,感觉彼此很像 2、去学C调和G调在第一把位(前三品加空弦),第二把位(二到五品)的音阶,总结C调和G调的七级和弦,包括三和弦和七和弦 (注意练习音阶的时候从主音开始弹,在主音结束,这一点非常重要,能让你记住指板上每个调主音的位置,当你要弹哪个调的时候,它们就会像机场指示灯那样亮起来) 3、弹大量的D调、A调、E调的歌曲,每个调十首左右 4、学D调、A调、E调在一二把位的音阶,学这三个调在一二把位的七级和弦(包括三和弦与七和弦) 5、将这五个调的和弦扩展到12品(第三把位、第四把位),目前我做不到将音阶也扩展到12品。 6、学一些9和弦、挂4和弦、学更多的七和弦,适当了解一下它们出现的套路,彼此之间在什么情况下可以互相代替,什么情况下不能,自己总结出一些经验。 7、写歌,巩固你学到的乐理知识。 目前我只做到这一步,后面不说了,因为那不是我的经验,去看各种教材吧。 5、 如何看待和学习技巧?对于技巧的态度,我秉承对乐理的态度,需要的时候再补课,同样的,需要时一定要补课,不补课你的技巧就定型了。 我学技巧的步骤: 1、53231323伴奏法 2、4/4拍简单扫弦,在53231323上变化,减去一个音 3、4/4拍一般扫弦,慢灵魂乐的音乐形态 4、三指法伴奏 5、左手击勾弦 6、左手滑弦 7、在4/4拍扫弦中,左手小鱼际切音 8、拨片扫弦,其他常用节奏型 9、拨片弹分解和弦 10、大横按左手切音 11、右手拍弦(用大拇指拍,用食指中指弓起来拍) 12、扫弦中扫等于拨,拨等于扫,在拨和扫中自由转换,想扫哪根弦就扫哪根弦(这个技巧是民谣吉他的精髓) 13、扫弦加切分,各种切分节奏型,快速换和弦 14、右手闷音 15、拨片和手指同时用 16、指套 17、solo时推弦推半音 18、揉弦 19、自然泛音(5品、7品、12品) 目前我就到这里了,当然还有其他许多复杂技巧 6、如何看待音乐类型之间的差异?浙大个人观察貌似存在这样一个风气,摇滚看不上民谣,布鲁斯摇滚看不上流行,小清新在音乐圈里最受歧视,因为好像它最简单。个人认为,无论什么类型的音乐,只要好听、感人,就是好音乐,不在简单不简单,而在于能不能弹到或唱到人的心里去。不是我是弹民谣流行的就为他们辩护,我超喜欢摇滚、BLUES、爵士,一直想学,无奈民谣流行本身还没学好,那些计划就只能搁浅了,因为摇滚、BLUES、爵士有他们一整套的技巧和乐理,每一个音乐类型都博大精深,个人看法还是挑选自己喜欢的音乐类型,在自己喜欢的音乐类型中吸取其他类型的养分,动不动就看不上其他的音乐类型,只能说明这个人在它看不上的音乐领域里的无知。当然,专精于一个音乐类型不代表墨守成规,写民谣的完全可以练练摇滚的曲子,自己写出来的歌也就多了律动和激情,玩摇滚的也完全可以去弹弹小清新(当然是私底下练习的时候),自己做摇滚的时候也就更细腻,摇累了也可以清新一把放松放松。如果不去努力的拓宽自己的音乐风格,时间长了会发现自己在重复自己,这就不好了,玩艺术,最忌讳重复自己,重复得多了,也就那样了。 7、 如何看待和参与音乐表演表现欲是人天生的欲望,个人看法,表演和练习在音乐进步中的作用同等重要,一个人关起门来弹琴是不可能有多大进步的,即使表演的时间比练习时间少得多,一个人独乐乐永远比不上众乐乐。现场表演带来的快乐像性高潮,自己有了成功的一次才能体会个中滋味。关于表演我个人曾经受到两种看法的影响,一种是在舞台上我行我素,不在乎观众的反应;另一种是为了观众的口味而表演和排歌,非常在乎观众的反应,其实一个好的表演者应该能做到这两种表演态度互相转换、游刃有余,在做好自己音乐的前提下,适当照顾观众。照顾观众非常重要,因为大家自己玩音乐,很容易一上台就自HIGH了,我原来认为只要音乐牛逼,低下自然会跟着HIGH,其实后来发现我错了,音乐再牛逼,我们业余弹弹琴,能牛逼过专家和大师么?可能性极小,因此在表演时照顾观众的情绪非常重要,例如自己想表演的歌本来是分解弹法,换到场合大一点的地方扫弦就多一些,HIGH歌和抒情歌最好搭配着来,High歌可以连HIGH,抒情歌最好不要一直抒下去,大场地现场表演尽量站着弹,多摆一点自认为帅的POSE,平时是装逼,音乐表演时就是牛逼。一首歌开始前,要么搞笑,要么煽情,要么装酷什么都不说直接开始,搭配着来,大家来看表演为求一乐,这没什么丢脸的。还有一点非常关键,感觉哪个设备或话筒还没调好,不要开始你的歌曲,哪怕让观众多等一会儿,否则一个话筒或一把吉他没出声,相信我,你到第二天都不爽。 浙江大学内的演出机会(我所知道的) 1、吉他协会 卡农协会 自由七音 各种艺术团举办的琴聚和音乐沙龙,一般每个社团每个长学期总会有一到两次吧,那么一个长学期就会有六七次。 2、各个学院的迎新晚会和毕业晚会,多如牛毛。 3、98坛庆 4、88飘渺新年流行歌会,每年12月 5、学生会每年的迎新晚会 6、88 夜未央音乐PARTY,玉泉草坪每年5---6月 (强烈推荐,气氛非常好) 7、杭州市区范围的爽动红趴弹唱会和虾米凡人弹唱会 这些演出机会进入门槛都是很低的,完全面向音乐爱好者开放,出了大学校门,如果不搞音乐方面的专业,绝对不会再有这么多的演出机会无条件向你开放。 8、如何创作(仅限歌曲)只说个人经验,因为写歌实在是一门太精深的艺术,这个不算经验,只算聊天,呵呵。我不同意说还没写歌呢,就歪歪我要写一首什么类型的歌,或者我这学期要写多少多少歌,这纯属扯淡。我赞成的创作观一定是生活中有什么事情触发了自己,引起了自己的感情波动,之后有可能是想表达一个态度,有可能仅仅是表达一种思考,甚至是稍纵即逝的一个感觉,如果你敏锐的捕捉到了,它很有可能就是副歌的第一句话,是整首歌曲的记忆点。必须说明,无论态度、想法还是感觉,根本推动力是人的情感,无论什么歌曲,没有情感的触发,都不可能感人,这种触发难道是个人可以计划的吗?明显不可能。被情感触发后,是不会想到写歌的,或者是想到写歌了,但当时没感觉,没感觉是很糟糕的,精彩的旋律、歌词和编曲都依赖感觉,因此还要出现下面的情境:一般来说,一天晚上你弹琴弹了两个多小时后,还不想放下它,很HIGH,情绪很激动,那段被触发的感情突然出现在脑海中,有一个旋律配合着吉他和弦一直在你脑海中萦绕,这就是最初的桥段,然后你会不由自主的在这种高涨情感的支配下在吉他上完善这首歌,这个过程可长可短。当然,如果你写着写着没感觉了,就把它放到那里,别去碰它,只要你经常练琴,过一段时间感觉又会来的。不过我很反对写歌的时候,还没完成,就去跟别人讨论,因为创作是完全自主的过程,又不是什么规划和方案,不管好坏,都是完成后再去听取别人的意见,最好不要没完成而去跟别人讨论下面该如何写词、写曲或编曲,这样创作的魅力会消失殆尽。如果让我给吉他学习含金量排个序,从低到高依次是:照谱弹,背谱弹,扒歌,表演,创作,这五个部分是金字塔,都是学习必须的,占用时间依次减少,但水平提升程度依次增多。比如说,你要熟悉C调的套路,可能需要背20首歌,但你只要创作一首歌,有可能C调的套路就掌握了。但切忌为了创作而创作,创作是那种可遇不可求的东西,想写歌的时候才写,跟我们自发写文章是一样的。创作时要用全力,任何一个部分都要自己满意,不能有一个部分自己不太满意,但是就这样吧,那么写出了歌首先不能让自己满意,如何能感动别人。当然了,一般来说,你练哪个歌手或音乐人的歌最多,写出来的歌也就像他(她),有可能是无意识的,也有可能是刻意模仿,这两者都可以,只要写出的曲子表达出了自己的真情实感就行。这就是我对民谣吉他中级进阶者想说的心理话,下面是两个资源。 资源: 9、我推荐的木吉他音乐上的资源演唱会陈绮贞《花的姿态》演唱会李宗盛《理性与感性作品音乐会》老鹰乐队《冰封地狱演唱会》齐秦《2003北京春分演唱会》 Eric Clapton 1992《unplugged》 涅槃乐队《纽约1992不插电演唱会》 许巍《留声十年绝版青春北京演唱会》 高旗《生命之诗不插电演唱会》 Tommy Emmanuel《center stage》作品音乐会,Tommy 其他的演奏会都不如这个随和、音乐表现力强。 在木吉他上编曲有特色而且著名的曲目(个人所知),按调性推荐: C调:《寂寞的季节》 《有多少爱可以重来》 《情非得已》 《宝贝》 《More than words》 《爱我别走》 《卡农》 《恋爱症候群》 《不让我的眼泪陪我过夜》 《after 17》 G调:《外面的世界》 《遇见》 《Wonderful tonight》 《表面的和平》 《花房姑娘》 《Now and Forever》 《Longer》 《cannonball》 《灰姑娘》 《她来听我的演唱会》 D调:《旅行的意义》 《寒雨》 《突然好想你》 《知足》 A调:《Tears in heaven》 《I’ll have to say I love you in a song》 《New York is not my home》 《开始懂了》 《If》 《那年的情书》 E调:《普通朋友》 《太聪明》 《野百合也有春天》(阿桑版)《如果爱》 《To be with you》注意,以上歌曲一定都要弹原版,不能弹简化版,只有弹原版才能提升自己的功力 推荐教材: 潘尚文《弹指之间》(强烈推荐) 王鹰、马鸿《民谣吉他大教本》 卢家宏《指弹吉他教程》 刘传《民谣吉他自学三月通》 《浙江民谣吉他考级教程》 《卡尔卡西古典吉他教程》
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1. 卡农木吉他谱,吉他指弹为什么没有多少人欣赏?
都是喜欢弹吉他的,所以我发表下我个人的看法吧,指弹吉他其实想弹好并不是那么容易的,我也是一个吉他爱好者,玩吉他也有将近20年的时间了,不过也只是爱好,所以比不上专业的吉他手,指弹吉他我也只会弹一点简单的,因为平时也不怎么练,但是指弹吉他真的很好听,懂吉他的人自然会很欣赏,如果你弹给对吉他感兴趣的人,他们自然会很喜欢听,或者你弹一些有难度的歌他们会很羡慕你,会和你请教一下怎么弹,但是并不是所有人都懂吉他,都能欣赏指弹吉他,打个比方,很有可能你用吉他弹唱一首当下很流行的歌,或者很经典的歌会有很多人喜欢听,你指弹一首难度很高的歌,很炫技那种,听的人并不觉得好听,甚至可能会觉得很吵,因为他们可能不懂指弹吉他的魅力,也接受不了,所以更不可能会欣赏了,就拿我举个例子吧,我现在发一些弹唱的视频,有些歌我会自己做伴奏,添加鼓点,贝斯,主音吉他,伴奏吉他,非常的麻烦,还要做音色,还要每一个音轨调EQ,自己感觉弄的还不错,要知道,弄一首伴奏可能要花好几天甚至一周多的时间,结果发布了播放量惨淡的可怜,反而自己随意弹唱的歌还跟受欢迎,所以我也很迷茫哈,可能听的人不会管你是怎么追求原版做的伴奏,或者能理解你做音乐的思路,他们只会去听这首歌好不好听,虽然很受打击哈,不过只要自己喜欢,自己坚持就可以了,所以我感觉无论是指弹吉他,还是所有吉他风格方面的,我们坚持做好自己的这一块就行了,不可能会达到所有人都喜欢,坚持做好自己的爱好,如果有人喜欢不是更好吗,我是一个非常喜欢音乐,爱好吉他的人,所以我支持你兄弟,加油,做好你自己,不要太在乎别人的感受,用心的弹吉他做音乐,总会有人喜欢和欣赏你的,加油,祝你琴技越来越好,也欢迎每一位喜欢吉他的好朋友和我一起交流,大家共同成长进步[比心]
2. 提琴独奏有哪些歌曲合适?
首先我很喜欢一些带有中国风的小提琴独奏曲目,比如著名的梁祝,新疆之春,鸿雁等等,这些曲目都很经典,旋律悠扬,长度适中,并且有很多不同难易的版本可以供水平不等的提琴练习者学习。
但是我认为,小提琴独奏的天花板,仍然是欧洲古典音乐,以下推荐一些超经典的小提琴独奏曲目。个人相对偏爱巴洛克时期的作曲和表演风格,永恒的经典。
小提琴的独奏曲目现代意义上的小提琴最早出现于16世纪早期的意大利北部威尼斯、热那亚等港口,并在欧洲大陆发展的相当成熟。我们选择独奏的小提琴曲目时,个人认为需要注意以下几点:
指法难度是否和自己的水平相符,曲目长度,指法,用弓技巧旋律是否悠扬动听,能够带来沉浸式的听觉感受是用作于日常的练习还是表演的曲目能否带来进一步的提升初学者(1年左右)約翰·塞巴斯蒂安·巴赫(德語:Johann Sebastian Bach,1685年3月31日-1750年7月28日),巴洛克時期的作曲家及管風琴、小提琴、大鍵琴演奏家,也是巴洛克音樂的集大成者。
巴赫的曲目无论学了多久,再回过头来看最初学的那首,你仍然会有全新的发现。
“Minuet No. 1”- J.S. Bach(巴赫)
“Minuet No. 2” – J.S. Bach(巴赫)
弗朗索瓦·约瑟·戈赛克(Francois Joseph Gossec,1734-1829),法国作曲家、指挥家。
“Gavotte” – F.J. Gossec
进阶练习(2,3年左右)“Gavotte” from Mignon – A. Thomas
这是Suzuki教材中的一个曲目,算是从初阶过渡到中阶的一个不错的选择,旋律生动活泼,指法简单。
12路德維希·范·貝多芬(德語:Ludwig van Beethoven,1770年12月17日-1827年3月26日),德意志作曲家、钢琴演奏家
学西洋乐器,怎么可能不遇到两首贝多芬的曲目呢?
“Minuet in G” – L. van Beethoven(贝多芬)
路易吉·博凯里尼(Luigi Boccherini,1743年-1805年5月28日)意大利作曲家、大提琴家
“Minuet” – L. Boccherini(博凯里尼)
安东尼奥·维瓦尔第(Antonio Vivaldi,约1675-1741) 巴罗克时期意大利著名的作曲家、小提琴家。 自幼学习小提琴与作曲,1714年起任威尼斯贫女音乐学校教师及乐长。 ... 他最著名的作品是小提琴协奏曲《四季》
这是我最爱的作曲家,没有之一!!
“Concerto in A Minor” (1st Movement) – A. Vivaldi(维瓦尔第)
123儒勒·埃米尔·弗雷德里克·马斯内(法語:Jules Émile Frédéric Massenet,1842年5月12日-1912年8月13日),法国作曲家,音乐教育家。 最出名的是他的歌剧,他写了三十多首。 ... 马斯内生于卢瓦尔省附近的小城镇,父亲是高级工程师。 他从小就显露出在音乐上的天赋,11岁时进入巴黎音乐学院。
“Méditation” (From Thaïs) – Jules Massenet
这首实在是太经典了,听到就酥了。
12进阶,无论学了多久的琴,都可以不断尝试的经典曲目这个我就不一一找谱子了,推荐一些我平常喜欢听的提琴独奏(大提琴,小提琴)
“The Swan” (From The Carnival of the Animals) by C. Saint-Saëns——圣桑,《天鹅》Paganini Caprice No. 1——帕格尼尼,第一章绪论(好难!!)Tchaikovsky Violin Concerto in D major, Op. 35 ——柴可夫斯基(1878年的作品,半个多小时,传世经典,最喜欢Itzhak Perlman的演绎)Four Seasons, Vivaldi——《四季》维瓦尔第(最爱,疯狂安利!)还有好多,懒得写了。。。。先这样吧,以后有机会再续。个人的意见,独奏的提琴最秀还是小提琴,中提琴大多是在乐团中充当一个润色的作用(有人说拉中提的是因为小提拉不好才去学的,这个仁者见仁)
大提琴的独奏曲目我了解不多,需要由更加专业的人来回答~
3. 什么是空间和声学?
顾名思义,舞曲就是指用来跳舞的音乐。舞蹈与音乐的起源颇有渊源,历史很悠久,依性质可分四大类:第一种是仪式的舞曲,大部分早期的原始民族在祭典上一定会跳舞,舞蹈一直是仪式的一部分。第二种是表演的舞曲,譬如芭蕾。第三种是社交的舞曲,主要流行于18——19世纪的欧洲。第四种是民俗舞曲,如各个国家不同的民族舞蹈。中文名舞曲分 类四大类目录1 音乐舞蹈关系▪ 舞蹈与节奏▪ 舞蹈与旋律▪ 音乐增辉2 外国舞曲▪ 伊斯坦比塔▪ 萨尔塔雷洛▪ 布兰诗歌▪ 嘉雅巴望▪ 西班牙舞曲▪ 卡农和吉格3 中国舞曲4 声乐类▪ 采茶舞歌▪ 花鼓调▪ 二人台▪ 佤族玩调5 器乐类▪ 花鼓灯▪ 秧歌▪ 芦笙舞▪ 少数民族乐舞音乐舞蹈关系编辑舞蹈是一门以人体为媒介的表演艺术。舞蹈通过人自身来展现,以动作为表现手段。而动作的美化必定纳入一定的节奏规范内。德国艺术史家格罗塞指出:“跳舞的特质是在动作的节奏的调整。没有一种跳舞没有节奏”。在舞蹈艺术中舞蹈与音乐之间是相互依存,互为因果又相辅相成的,融为一体不可分割的特殊关系。下面仪对舞蹈艺术中舞蹈与音乐之间的关系从三个方面谈谈粗浅看法。舞蹈与节奏舞蹈是一门综合艺术,它除了舞蹈本身之外还包括音乐、美术、文学、戏剧等,其基本组合是舞蹈与音乐,它们二者是一种生来的天然组合关系。我国是世界上四大文明古国之一,对音乐的记载可回溯数千年。古社会,人们在集体劳动中产生的有节奏的劳动呼声,形成原始音乐的萌芽,伴随着音乐的节奏、音调的形成还产生了舞蹈姿势。正是因为劳动赋予了音乐的节奏、音调还有舞姿,所以在远古社会,音乐、舞蹈结合在一起,我国古代文献将音乐称为“乐舞”便是这个道理。这是以天上西宫的星名“咸池”作为他的代表性乐舞的名称。《淮南子:天文训》中写道:“日出阴谷,浴与咸池”。以音乐和舞蹈反映古人的豪华迈幻想和对星辰的崇拜,在舜统治时期,代表性乐舞叫作《韶》,又称《箫韶》。这是占代非常著名的乐舞,孔子曾赞其“尽善矣,又尽善也”。秦、汉、两晋、南北朝时歌舞音乐是音乐发展的主流。声乐、器乐与舞蹈的结合一方面丰富和提高了歌舞音乐,形成了有艳、解、趋的较大型的歌舞音乐形式。另一方面反过来要求声乐部分能表达的更细致,器乐部分能变化得更多样,从此时起至隋唐为止,歌舞音乐在音乐艺术发展中愈益起着主导作用。唐代有情节的歌舞是后世歌舞剧的雏形,成为不成熟的初期戏曲。被称为“大曲”的大型歌舞是器乐、声乐与舞蹈连续表演的综合艺术形式,曾经达到较高的水平。著名的《霓裳羽衣曲》规模庞大结构严谨,虽早已失传,但从有关的记述和诗人、文学家所作的描写揣测,这是非常令人神往的音乐歌舞大曲。宋代形成独立歌舞剧体系,到明清时,歌舞趋向于特定故事情节的表演,演变成戏曲。在中国文化几千年的发展过程中,舞蹈和音乐一直紧密相联系,这是我国的“乐舞”发展的历史事实。在西方,古希腊荷马时代以后盛行一种音乐舞蹈结合在一起的合唱抒情歌和赞美歌、祝贺竞技获胜的庆贺歌以及赞扬英雄人物的颂歌。这说明当时音乐舞蹈结合的广泛。公元十四世纪至十七世纪,欧洲文艺复兴时期,西方的音乐艺术特别活跃,音乐写作技术走在前面,独立的器乐有了大的进展,在音乐发展的同时,也促进了舞蹈音乐的新发展。到了十六世纪至十发世纪,欧洲音乐进入了一个新的阶段,特别是这时候的舞曲在器乐作品中获得极为多样的变化,大大促进并提高了专业音乐创作的发展和水平,这十分有利于舞蹈艺术的前进。这都表明,舞蹈和音乐的特殊密切关系是有历史见证的,与其说它们是姐妹、兄弟,不如说是“双胞胎”。当然作为独立的艺术类别,各有不同的发展,但在舞蹈艺术中,音乐和舞蹈基本上没有分开过。这是舞蹈和音乐相互关系的最简单历史,但所有的历史现象都并不是偶然的。在舞蹈艺术长期发展过程中,舞蹈和音乐的结合自然也应有它们共同的科学依据。音乐是时间的艺术,而舞蹈在某种意义上说也是时间的艺术,因为音乐和舞蹈都要表达一个进程,即进行着的进程。音乐表达内容和情绪的进程是靠音乐联系的,舞蹈表达内容和情绪的进程则是依靠动作的连续。就作为时间艺术的舞蹈整体概念而言,一个孤立的动作只构成画面,是静止的,不是舞蹈的典型现象。音乐的时间单位是音调和节奏,舞蹈则是姿势和动作。舞蹈整体要用节奏、节拍来组织,音乐也是如此,节奏、节拍是音乐整体的骨架。音乐和舞蹈都属“动”的艺术,它们都受不可停止的进程所制约,就是说,在整体或完整的部分进程中,一般不能停下来,停下来意味着终止结束。这是舞蹈与音乐结合的基础,同时因为听觉和视觉的感觉不同,音乐能弥补舞蹈的“局限”,而舞蹈则使音乐获得某种可能的视觉印象,给音乐作出可见的解释,从一定意义上说,在舞蹈艺术中,音乐正是舞蹈的声音,舞蹈则是音乐的形体,一个有形而声,一个有声而无形,它们的结合反映了人的智慧。舞蹈与节奏密不可分。舞蹈与旋律舞蹈之所以离不开音乐,首先基于舞蹈艺术中对声音的本能需要,还由于音乐对舞蹈的另外一些重要作用,作曲家吴祖强先生认为:“配合并帮助舞蹈在整个过程中表达情绪、体现个性、烘托气氛、塑造形象的作用和具体帮助舞蹈动作的作用,前者属于表现方面,后者属于结构方面,结构为表现服务”。对于吴祖强先生观点的理解,要求我们对音乐的构成特点有一个概念: .1、音乐旋律的构成要素。音乐的构成要素有音高、节奏、节拍、和声、调式、调性、音色、音区等,将这些要素有机地结合起来就构成音乐旋律,这些要素的组合多种多样,因此出现了千差万别的音乐。2、乐曲的形式和体裁舞蹈占有空间比较具体,而音乐抽象又不能停留,所以音乐有想方设法使听众对音乐留下印象,这样便促进了音乐创作的发展。音乐形式多种多样,和声学、曲式学、配器法都在一定范围内归纳了音乐形式和组织结构的一个方面,音乐形式的主要方面是创作实践中构成的各种典型格式即曲式。明白了曲式,就抓住了乐曲的整体,包括段落、层次、规模和整个音乐发展过程,因此就形式这个名词的广义来说,任何音乐形式都是用来表现思想内容的一切手法,与组成这一个音乐的所有要素的总和及统一。乐曲在实用中形成了各科,不同样式和类型称之为体裁,它们可以由各种曲式构成。进行曲、夜曲、交响诗、各种舞曲等是体裁的形式,而曲式则指乐段,曲式往往提示听众以结构规律,体裁往往提示风格和内容。3、 音乐是发展的艺术音乐是发展的产物,人们在长期音乐生活中,积累祖先的经验,不断变化,特别是舞曲,它样式多样,而且源于不同地区和民族在不断的发展、演变中,而成为大型乐曲的基础,如在十七世纪意大利作曲家斯卡拉底称为奏鸣曲的作品,基本上具有舞曲特征。舞曲逐渐进入非舞蹈范畴,影响着其它体裁,其它体裁也影响着舞曲。各式各样的不断发展舞曲又极大丰富着舞蹈艺术本身。艺术是创造的,一定要允许并且鼓励出新,舞蹈如此,音乐也如此,舞蹈艺术中的音乐当然也是如此。历史是前进的,随着历史的进步,艺术也得到了发展,得到了进步。因此说音乐是发展的艺术,在我们对音乐形式和体裁有了一个大概概念。我们才能真正的了解舞蹈音乐,也只有这样,面对舞蹈音乐时才有了充分的准备,可以与作曲者进行充分的讨论,并提出对舞蹈音乐的即合理又创新的要求。音乐增辉作为综合艺术的舞蹈艺术,谁都不能否认音乐和舞蹈是最密切的伙伴,从实践和理论上看,舞蹈艺术中音乐和舞蹈是血肉相连的伙伴。 在大型舞台剧中,音乐与舞蹈都具有戏剧性的结构,舞剧的角色、动作与音乐的关系是统一相辅相成的。如柴柯夫斯基为舞剧《天鹅湖》所写的音乐就是极为突出的例证,主要角色都有相对独立的音乐主题,并围绕着主题发展,创造出符合角色性格的音乐形象。舞剧音乐的整体是根据情节的发展,情感的起伏,性格的矛盾进行的。舞剧艺术的发展,像柴柯夫斯基这样的大作曲家参与舞剧音乐写作,促进舞蹈音乐的发展,长期以来,舞蹈家和音乐家都在为获得相互融洽的关系而努力,特别是在科技发达的今天,人们的生活节奏加快了,对音乐的要求越来越高,这便促使舞蹈编导和音乐创作注入现代的气息,也促进派了舞剧的大力发展,就世界范围来说,尤其是舞剧音乐,已经与交响诗、歌剧、室内乐等并列。在我国,舞蹈音乐创作也空前繁荣,福建省《惠安女人》这富有福建特色的大型舞剧以闽南文化为背景,以惠安女人大海般的情怀,采用富于地方色彩的乡土乡音,创作了一系列福建特色音乐,通过音乐节奏的变化反映了惠安女人有的命比石头还硬,在与命运的抗争中一代又一代繁衍生息的不朽精神。舞蹈大赛中,涌现出一大批优秀舞蹈音乐,第七届“桃李杯”舞、《俏花旦》、《新“阿里朗”颂歌》、《溜溜的康定溜溜的情》和以历史为背景的《无名花》音乐创作与舞蹈构思紧密结合,给评委和观众留下深刻印象获得大奖。“小荷风采"——全国优秀儿童舞蹈展演中,儿童舞蹈中的舞蹈和音乐都结合得很好,音乐创作突出了儿童心理和生理的特点,塑造了儿童生动活泼的音乐形象,使孩子们看了节目在视觉和听觉上都得到了巨大的满足,得到全面的艺术享受从而受到了聪明智慧的陶冶和启迪。甘肃的藏舞《小卓玛》无论是舞蹈和音乐都突出韵味,十分舒展,’非常和谐,耐人寻味。山西的《黄河娃》满台都是铝制造的大小不同的鼓、镲和小钹,舞蹈很奔放、很热烈。江西的《请你做裁判》表现了一位下肢残疾的小姑娘对大自然的美好向往,舞蹈动作中有停顿、有伸展,音乐也留出空隙,在空白的空间中,演员的动作在交流、在延续,音乐和舞蹈动作处理得非常恰当、融洽,在展示舞蹈内涵上,编导在艺术上进行刻意处理。这所有的一切都说明我国对发展舞蹈艺术、提高舞蹈音乐水平的重视,以及我国舞蹈音乐创作的长足发展。优秀的舞蹈音乐是舞蹈中的积极因素,好的音乐能为舞蹈增辉。总之,在舞蹈艺术中音乐将永远是舞蹈的最亲密伙伴,无论是从历史的角度,还是从发展的角度,它们都相互依存、互为因果又融为一体不可分隔的特殊关系,只有在认清楚它们之间的特殊关系,我们才能创造出好的舞蹈作品,才能提高和丰富舞蹈艺术。 [1] 外国舞曲编辑欧洲音乐史中,现在还能听到的舞曲大约可追溯至10世纪,那个时期欧洲流行游吟诗人的音乐,观众可以欣赏到动人的歌曲每每搭配着优美的舞蹈,或者歌舞不断交替进行着表演。伊斯坦比塔约在1280年,有一种流行于宫廷的三拍子舞曲,叫作伊斯坦比塔(Istampita)。其中最著名的一首是法国游唱诗人阿利博(Alibo)的曲子《五月》(Calenda Maya)。这也是在中世纪,或者更早的时期所流行的舞曲。我们现在能听到的这些早期音乐,都是近代一些古乐研究小组一起通力合作的成果,他们尽量忠实地还原当时的演唱方式,也许不尽然相同,但其风格大致上是可以掌握的。萨尔塔雷洛萨尔塔雷洛也是中世纪宫廷舞的舞曲,配合一种快速、活泼的舞蹈。而且到目前为止,仍然有许多作曲家写这种舞曲。比如19世纪的浪漫作曲家就是吸纳了它快速、活泼的特性,写了一些音乐,例如门德尔松的第四号交响曲《意大利》第四乐章就是萨尔塔雷洛。布兰诗歌布兰诗歌是12——13世纪所留下的诗歌手稿集,是流行于当时日耳曼一带的世俗诗,诗上留有一些符号,这些符号就是译成乐谱的依据,因为那时没有乐谱的记载,于是只能在歌词上做记号,譬如该往上唱,他们就往上画记号,往下唱就往下画,这就是所谓的“纽码谱”(neumes),其实,它不是完整的乐谱,它应该只是一种类似备忘录的符号,这种谱也只适用于原本已经会唱这歌曲的人,因担心唱错,于是做一些符号来提醒。20世纪德国作曲家奥尔夫(Carl Orff)曾在1927年,从古老的布兰诗歌中挑出20多首诗歌,重新替它们谱上音乐,所以目前我们所听到的布兰诗歌,又旧曲及新曲两种版本。布兰诗歌嘉雅巴望巴望舞曲(pedovana)与嘉雅舞曲(galliarda)13——14世纪之后,舞曲渐渐从舞蹈中独立出来成为器乐曲,而颇富趣味的是这些舞曲通常都是成双出现:前一曲是慢的,偶数拍,称为前舞;后一曲则是快的,奇数拍的,称为后舞。而这一对舞曲也有各自不同的名字。例如在前的巴望舞曲和在后的嘉雅舞曲就是最常见的组合。这样的一对舞曲后来就称为“对舞”。不论它们是什么样的组合和名称,一定都是两个性质不同的舞曲结合在一起,而这种结合最基本的原则就是前慢后快。但是到了16世纪,“对舞”一方面慢慢扩充为组曲,另方面则渐渐分开而独立了。印象派作家拉威尔就曾写过一首独立的巴望舞曲,这首原是为钢琴,后来改为管弦乐的巴望舞曲名为《为一位早逝的小公主而写的巴望舞曲》(Pavane pour une infante defunte),这是一首高贵、严肃、哀伤的音乐,经由拉威尔管弦乐的处理后,更加展现出巴望舞曲的风格。西班牙舞曲帕沙卡利亚舞曲(passacaglia)和夏康舞曲(chaconne)在西班牙,曾流行过两种既简单又特殊的舞曲,帕沙卡利亚和夏康。它们有一共同点就是音乐都从一个八小节的低音旋律为基础,并在这八小节低音重复出现的循环过程中,以八小节为一周期,变奏着高音声部,这和变奏曲是颇为相似的。后来巴赫以此形式写了一首非常有名的《C小调管风琴帕沙卡利亚》(Passacaglia for organ in C minor, BWV 582)。帕沙卡利亚的音乐是不停反复这八小节低音,上面的音乐就可以不停的即兴演奏下去,它是即兴的、幻想的,在有限的范围内作最大的发挥。尽管这固定的八小节低音,就某个角度来看,是一种限制,然而透过丰富的想象以及音乐素养,演奏者往往能创造出一个辽阔宽广的幻想世界。浪漫时期的作曲家也曾把帕沙卡利亚这种巴洛克舞曲引到交响乐里,勃拉姆斯的《第四号交响曲》(Symphony No.4 in E minor,op.98)中的第四乐章就是一首帕沙卡利亚舞曲。卡农和吉格巴洛克时期的帕海贝尔(Johann Pachelbel,1653——1706)留下一首非常有名的对舞——《卡农和吉格》(Canon and gigue in D major,T.337)。卡农是一首轮唱曲或轮奏曲,吉格则是一种快舞。卡农和吉格不仅把对舞的原则用音乐表达出来,而且这卡农也是由八个低音不断重复发展而成。这是一首非常精妙的作品,集巴洛克时代的音乐特征于一身:第一个特征是八个低音的夏康舞曲或帕沙卡利亚舞曲所发展出来的音乐,第二个特征是对舞(前舞与后舞)。中国舞曲编辑一种是从音乐本体角度划分为声乐(舞歌)、器乐(舞乐)两大类,或者再加上综合歌舞大曲,形成三类;另一种是以不同的音乐文化风格圈或音乐文化风格区为背景,以民间原发性舞种或“舞种群落”的传播和分布为依据,讲中国民间舞蹈音乐按乐系、乐族和乐种等不同层次进行划分。声乐类编辑声乐类民间歌舞音乐,即采用歌唱方式来表现民间舞蹈的内容情绪,并与舞蹈配合出现的民间音乐形式,又称为舞歌。采茶舞歌1、采茶舞溯源采茶歌舞普遍流传于浙江、江西、安徽、福建、广西、广东、湖南、湖北等著名采茶省区。2、采茶音乐(1)采茶家族、采茶歌舞产生和主要流行于我国东南地区,在全国各地的采茶音乐中,存在着一个由同一曲调母体繁衍而成的庞大的“采茶家族”,此“母曲”即江西于都的《采茶谣》(2)“采茶家支”——桂南采茶流行与广西的民间歌舞,有一百多年的历史,最初为人们在日常劳动生活中唱的“采茶歌”,后来发展为表演性歌舞,并出现了演唱历史故事和民间传说的叙事性内容。采茶歌歌舞表演主要采用“茶腔”和“茶插”两类曲调因素。 “茶插”:民间叫法,即在固定的“茶腔”中间随意插入对比材料的意思。 “茶腔”以载歌载舞表演为主;“茶插”以小场演唱为主。花鼓调花鼓舞流行与我国、山东、南方的安徽、浙江、江苏等汉族地区,在湖南、湖北、山西、陕西等省也有分布。狭义是指以安徽凤阳花鼓为代表的,手持、身背花鼓自击,载歌载舞表演的一类民间歌舞;广义则包括流行与南方的安徽花鼓灯、湖南地花鼓等表演性歌舞以及江西的夹湖花鼓等小型歌舞综合表演。1、花鼓灯的溯源2、表演形式常采用两人对舞的形式表演,一般为一男一女,男持小镗锣,女挎小花鼓,边歌边击,相对而舞。3、花鼓音乐花鼓调《凤阳花鼓》,又称为《凤阳歌》二人台1、二人台的溯源一种主要流传与内蒙、陕北、河北部分地区,兼具民间歌舞和戏曲特真的地方民间艺术,与“秧歌”有密切关系,其音乐唱腔一部分来源与蒙、汉两族民歌,另一部分则来源于晋北传入当地的丝弦小唱“打坐腔”。2、表演形式演员仅一旦一丑,旦持手绢、折扇,着凤冠和红绿衫裙;丑拿霸王鞭和折扇,戴毡帽,穿大襟黑衫,“二人台”因此而得名3、二人台唱腔可分为声乐唱腔与器乐牌子曲两类,唱腔用于剧情表演、歌舞表演和小曲清唱,可分为戏剧性唱腔、舞歌和小曲三类。(1)戏腔较具有代表性的一类,包括慢二流水、快二流水等成套板式的唱段。 “红不红要看《金钱》打得怎样,好不好听要看《西口》走得如何”(2)舞歌有一部分舞蹈韵律性较强的曲调类型,通常用于边歌边舞的表演。(3)小曲二人台中演唱的小曲,大部分原为当地民歌小调。二人台表演佤族玩调流传与云南省沧源县佤族地区,由妇女、儿童跳唱的风习性多声部舞歌,也称玩耍调。有跳调和唱调两种。佤族玩调的基本表演特点是歌、舞结合,以唱为主。1、舞种特点及表演形式(1)分排唱(2)绕圈唱2、音乐特点采用轮唱、一领众和、齐唱等演唱方式。狂野的佤族舞蹈器乐类编辑花鼓灯花鼓灯:一种南方汉族歌舞,主要流行于安徽怀远、凤台等县。每年春节至元宵节灯会期间,花鼓灯是必不可少的表演节目。据民间口碑资料,早在清光绪以前,花鼓灯就已形成了一套较完整的表演形式,有了较丰富的音乐和舞蹈。1、灯班组织: 灯班的角色,男角统称“鼓架子”,女角统称“兰花”或“包头”。每“灯班”都有专门的锣鼓乐伴奏乐队。2、表演形式:(1)开场表演:又可分为“上灯场”和“舞岔伞”等程序。(2)大场:又称“乱场”,为花鼓灯的主体。(3)转场:为大场和小场之间的过渡和衔接部分。(4)小场:有“小花场”、“双花场”等不同节目,系由2、3人表演的情节舞蹈。(5)盘鼓:可分为地盘鼓、中盘鼓和上盘鼓。(6)后场:属小歌舞剧部分,曲调为山歌和地方小调形成的“花鼓歌”。3、花鼓灯器乐曲:花鼓灯音乐可分为花鼓歌和器乐曲两个部分。花鼓灯的器乐曲以锣鼓为主,吹管乐为花鼓灯乐器三大件:“花鼓、大锣、大钹”秧歌汉族歌舞的主要形式之一,根据记载,秧歌始于“南宋灯宵之村田乐”。有狭义与广义之分,狭义的秧歌专指俗称为“地秧歌”和“高跷”的两凤阳花鼓类节目。广义的“秧歌”主要分两类:一类指民间节庆集会时,可穿插或同时表演的各种歌舞节目等;(如《旱船》、《龙灯》)另一类指某些在秧歌基础上向戏曲、曲艺过渡的艺术类型。(如二人台、二人转)1、秧歌的溯源(清)吴锡麟《新年杂咏抄》 [2] :“秧歌,南宋灯宵之村田乐也。……” 认为,南宋歌舞《村田乐》是秧歌的早期形式。东北秧歌 2、器乐类秧歌音乐秧歌音乐也可分为器乐与声乐两类。一般情况下,器乐主要用于大场舞蹈,声乐主要用于小场的民歌与小戏的演唱。芦笙舞是一种主要分布在我国西南部、中南部的少数民族歌舞,可分为芦笙舞和葫芦笙两大类。其中芦笙舞主要分布在贵州、广西和湖南等省的苗族和壮侗语族诸民族中;葫芦笙舞主要分布在云南、四川等省的藏缅语族彝族支各民族里。 云贵奇葩——芦笙舞1、芦笙舞的溯源唐代,樊绰《蛮书》说:“少年子弟暮夜游行闾巷,吹葫芦笙,或吹树叶,声韵之中,皆寄情言,用相招乎。”2、芦笙舞的形制、组合及表演形式芦笙采用竹、木所制,由笙斗、簧片和共鸣器几个部分组成。演奏形式约分为四种:独奏、对芦笙、套芦笙、芒筒芦笙表演形式上存在着一定的民族和地域性差别。(苗族)(1)芦笙排舞(2)芦笙队舞(3)踩芦笙(4)双人舞与单人舞3、芦笙舞音乐(1)体裁类型芦笙音乐可分为舞曲、礼乐、叙事曲和吹歌四类。(2)织体类型①单旋律型②主调型③复调型(3)曲式结构乐段:三截式、展衍式、带变奏的反复组曲:变奏体组曲、循环体组曲少数民族乐舞(一)藏族囊玛藏族的一种民间舞蹈艺术品种,一度受到藏族知识分子和歌舞艺人加工、规范后,被藏族封建贵族纳入宫廷,后又重性散步于民间。 “囊玛”是藏语的译音,原意是“里面”、“屋里”,也有人解释为“集中”。 [3] 1、囊玛的溯源“囊玛”的来由说法颇多:有说囊玛一词系外来借用语,是南亚大陆巴基斯坦一带的“呐嘎玛”(歌曲之意)的谐音,从拉达克传进来的。2、囊玛音乐囊玛音乐由中速的器乐前奏、慢板歌曲乐段、快板舞曲乐段三部分组成,具有定型性、程式性较强的音乐和表演程序结构。 囊玛音乐一般由笛子、扎木聂琴、扬琴、京胡、特琴、根卡、串铃等七件乐器组成的乐队演奏。囊玛 (二)象脚鼓舞流传在云南省的一种傣族歌舞,采用象脚鼓、铓锣和钹伴奏。五点钟,带有舞歌与打击乐曲循环交替出现,歌时不舞(奏)、舞(奏)时不歌的表演形式特征,又可分为象脚鼓舞、跟鼓舞、孔雀舞、十二马舞等多种类型。傣族《跟鼓调》是“做摆”(集会)时贺客队伍以歌舞酬谢、恭贺族人所唱的祝颂调,傣族称为“喊半光”。象脚鼓舞蹈 (三)维吾尔族木卡姆歌舞 木卡姆是流传于中国新疆维吾尔族地区的传统古典大曲,具有统一调式体系,以歌、舞、乐三者组合而成。1、木卡姆溯源一种观点认为:“木卡姆”一词源于木卡姆为古龟兹语,意为“大曲”。也有人认为阿拉伯语“玛卡姆”的音转,作为一般音乐用语有“声音”之意,作为音乐术语,则有“特定的调式,旋律的模式及其即兴演唱”。2、木卡姆音乐木卡姆音乐的两种歌舞组曲结构形式:其一是像十二木卡姆第一部分的歌舞组曲和第三部分麦西热普那样作为大型声乐、器乐套曲的一个组成部分;其二是像多朗木卡姆那样,其自身便是一个风格较为单纯的民间歌舞组曲。3,“麦西热普”(1)原意为“欢乐的晚会”,由三至六首节拍不同的舞蹈组成,没有间奏,甚至没有长于一个乐节的过门。(2)唱词木卡姆的唱词是一些内容不相关连的诗歌连缀起来的。(3)音阶调式以自然七声音阶为主,兼有五声、六声音阶。(4)伴奏乐器沙塔尔、弹波尔、独它尔、手鼓、热瓦普等。
4. 4拍的钢琴谱?
还有F大调小奏鸣曲、快乐的女战士、快乐的小天使、映山红、戈帕克舞曲、愉快的旅行、C大调小奏鸣曲、陀螺、卡农、听妈妈讲故事、G大调奏鸣曲、回旋曲、瞬间的幻想、啊坝夜会、唱灯。
5. 东成西就我爱你原曲什么名字?
歌曲名字:我爱你
作曲:威廉退尔序曲
谱曲:威廉退尔序曲
作词:黄沾
演唱:张学友
歌词如下:
我只能用一句,换我真诚意用心去吟的诗,
来求你,请姑娘你听一听,
听完我这一句,希望你会不嫌弃,
其实我这一句,这一句这一句这一句词儿,
是只有三个,是全部只有三个,
一二三哦,我爱你,
i love u,love u,love u,love u,love u,love u,i love u,
我爱你,我爱你,我爱你你你你,我爱你你你你,
我们来我们来我们叫一声,我们来我们叫不要皱着眉,
我们来我们来我们叫一声,和你呕叫一声,
让我来对你对你对你对你,欢乐叫声欢乐叫一声,
我爱你i love u,love u,love u,love u,love u,love u,i love u,
我爱你,我爱你,我爱你你你你,我爱你你你你,
我爱你,我是我是我是我是的确的确的确的确,
最爱你爱你爱你, love你。
(王祖贤白)我答应你哎哟哟活哎哟,
(王祖贤白)我恨死你了。
6. 零基础怎么识钢琴谱?
我是一名钢琴老师,跟钢琴谱打交道多年,分享几个基本的知识点:
1、五线谱首先,钢琴谱是五线谱。五线谱如名字,是有5条线组成,比咱们小时候写拼音的多一条线。五条线中间共有4个空白格子,称为“简”。五线谱就是由 5条线 和 4个间 组成。
2、高音谱号钢琴谱大部分都是两行谱子构成,一般上面一行是高音谱好,像一颗树一样高一些的。高音谱号上记谱大部分是钢琴中间往右,如果把五线谱看成一栋楼房,可以理解成音符位置越高,钢琴的音就靠右,是有序排列。
3、低音谱号低音谱号是像个耳朵一样的,同样道理,低音谱号是钢琴中间往左的低音。位置越低,钢琴的位置越靠左。
4、符头位置决定音高音符经常被大家称为小蝌蚪,那么决定音高的是小蝌蚪的头,即符头。符头在不同的位置上代表不同的音,不要去看尾巴,尾巴不决定他是什么音。
5、符头形状决定拍子上面讲到符头的位置决定音高,那么他的不同形状就决定了拍子。像鸡蛋一样没有尾巴的叫全音符,是4拍。符头空白的,像球拍一样的是二分音符,是2拍,等等。最好,根据实际的图去看,用语言描述会比较抽象。
6、拍号、小节线谱子最开头的高、低音谱号后面会有数字,上下写的42、44、43等等,这个是拍号,通常决定一小节里有多少拍。五线谱里面按竖格有规律划分的是小节,那条竖线叫小节线。每小节里面是2拍、3拍或是4拍都是固定的。
以上的建议,仅供参考,没有实列、不能面对面,用语言描述,可能存在一些理解误差,望见谅。也欢迎私信沟通。
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7. 民谣吉他中级该怎么学?
中级进阶者:2、什么水平刚刚摆脱初学者,成为中级进阶者?琴换成了1000---2000的(或者有换琴的冲动了),觉得挺爽的,会15个基本和弦,会弹唱20首比较简单的歌(什么是简单的歌,我也说不准,任何流行歌曲都有简化弹法)或者能弹下来5首比较简单的指弹,歌曲的话有三到四首自我感觉良好,指弹的话有一到两首,有点想给人表演,会爬格子,会基本调弦法,会扫弦,扫得不难听,知道有些和弦扫六根弦,有些和弦扫四根弦,当六线谱上的数字取代XX时,虽然很不适应,但是能勉强弹下来,会基本大横按(F Bm),大横按没有音按不响。特别喜欢练一到两个歌手的歌,或一个作曲家的指弹曲,喜欢模仿,希望能找到志同道合的朋友一起玩琴,基本每天没事儿的时候都想把琴拿起来摸一会儿,用过拨片、变调夹和调音器,找到了一本比较心仪的教材。最重要的一点是,每个人的生活都有排序,例如:1、生命2、事业3、男女朋友4、兴趣一、兴趣二、兴趣三5、社交。。。。。。、6、其它,吉他在你心目中至少已经摆脱其它这个悲催的地位了。后面的问题都是中级进阶者会碰到的: 3、 对于整天抱着的民谣吉他本身,有什么需要注意的?首先,琴最好已经是1000块以上的了,至少是面单琴,琴弦也最好不要再用爱丽丝了,而是往上走,木吉他琴弦价位大概(立欧20,达达里奥20---40,马丁50,散装Elixir70, 镀膜Elixir120)更贵的琴弦其实也不需要。琴弦既能用011的,也能用012的,不存在用了012的就嫌累的情况。上琴枕和下琴枕最好换成牛骨的,20块钱左右,弦钉也可以换成乌木的,最好不要再用塑料的了,当然更好的琴枕还有象牙的,40块钱左右。中级进阶者肯定要会换弦了,不能像初学者那样,还到处求人换弦。弦油和擦弦布要买,否则弦会锈的很快,一个月就失去弹性,滑起弦来很涩,经常保养一套120块钱的弦可以用半年。琴颈要学会调,要有调琴颈用的工具,会用砂纸磨琴枕,防止琴弦在高品离琴颈太远,弹起来不舒服。会自己装背带和简单的拾音器,因为表演的话背带和拾音器是必须的。拨片已经开始用不同厚度的了,厚一点用来弹SOLO,薄一点用来扫弦,最好能有专门装拨片的容器。 4、 如何看待和学习乐理?个人认为,音乐是心灵的养料,业余玩音乐,乐理绝对没有我们想的那么重要。它基本处在这样一个地位,你在吃白饭,乐理是一碗汤放在你旁边,什么时候你觉得白饭太干了,噎着你了,盛一碗汤就着喝一下。而不是你先喝一碗汤,然后吃白饭,首先,这碗汤专业的都只取一瓢饮,更何况业余的;其次,你整天想着喝汤,饭都吃不好,丢了音乐本身,要乐理干什么?什么时候觉得噎了,自然就产生了想补乐理的冲动,注意,是补,不是专门学,补是把你积累的歌曲和乐曲串起来形成套路,专门学时间精力上不划算,你一首BLUES曲子都没弹过,要BLUES乐理有什么用呢? 但是,当你觉得噎的时候,一定要去补,不要懒,否则有可能你这一生吉他水平就定格了。 好吧,下面是我学到的流行编曲乐理进步的步骤,仅仅个人经验 1、C和G调的歌曲弹了30多首,感觉彼此很像 2、去学C调和G调在第一把位(前三品加空弦),第二把位(二到五品)的音阶,总结C调和G调的七级和弦,包括三和弦和七和弦 (注意练习音阶的时候从主音开始弹,在主音结束,这一点非常重要,能让你记住指板上每个调主音的位置,当你要弹哪个调的时候,它们就会像机场指示灯那样亮起来) 3、弹大量的D调、A调、E调的歌曲,每个调十首左右 4、学D调、A调、E调在一二把位的音阶,学这三个调在一二把位的七级和弦(包括三和弦与七和弦) 5、将这五个调的和弦扩展到12品(第三把位、第四把位),目前我做不到将音阶也扩展到12品。 6、学一些9和弦、挂4和弦、学更多的七和弦,适当了解一下它们出现的套路,彼此之间在什么情况下可以互相代替,什么情况下不能,自己总结出一些经验。 7、写歌,巩固你学到的乐理知识。 目前我只做到这一步,后面不说了,因为那不是我的经验,去看各种教材吧。 5、 如何看待和学习技巧?对于技巧的态度,我秉承对乐理的态度,需要的时候再补课,同样的,需要时一定要补课,不补课你的技巧就定型了。 我学技巧的步骤: 1、53231323伴奏法 2、4/4拍简单扫弦,在53231323上变化,减去一个音 3、4/4拍一般扫弦,慢灵魂乐的音乐形态 4、三指法伴奏 5、左手击勾弦 6、左手滑弦 7、在4/4拍扫弦中,左手小鱼际切音 8、拨片扫弦,其他常用节奏型 9、拨片弹分解和弦 10、大横按左手切音 11、右手拍弦(用大拇指拍,用食指中指弓起来拍) 12、扫弦中扫等于拨,拨等于扫,在拨和扫中自由转换,想扫哪根弦就扫哪根弦(这个技巧是民谣吉他的精髓) 13、扫弦加切分,各种切分节奏型,快速换和弦 14、右手闷音 15、拨片和手指同时用 16、指套 17、solo时推弦推半音 18、揉弦 19、自然泛音(5品、7品、12品) 目前我就到这里了,当然还有其他许多复杂技巧 6、如何看待音乐类型之间的差异?浙大个人观察貌似存在这样一个风气,摇滚看不上民谣,布鲁斯摇滚看不上流行,小清新在音乐圈里最受歧视,因为好像它最简单。个人认为,无论什么类型的音乐,只要好听、感人,就是好音乐,不在简单不简单,而在于能不能弹到或唱到人的心里去。不是我是弹民谣流行的就为他们辩护,我超喜欢摇滚、BLUES、爵士,一直想学,无奈民谣流行本身还没学好,那些计划就只能搁浅了,因为摇滚、BLUES、爵士有他们一整套的技巧和乐理,每一个音乐类型都博大精深,个人看法还是挑选自己喜欢的音乐类型,在自己喜欢的音乐类型中吸取其他类型的养分,动不动就看不上其他的音乐类型,只能说明这个人在它看不上的音乐领域里的无知。当然,专精于一个音乐类型不代表墨守成规,写民谣的完全可以练练摇滚的曲子,自己写出来的歌也就多了律动和激情,玩摇滚的也完全可以去弹弹小清新(当然是私底下练习的时候),自己做摇滚的时候也就更细腻,摇累了也可以清新一把放松放松。如果不去努力的拓宽自己的音乐风格,时间长了会发现自己在重复自己,这就不好了,玩艺术,最忌讳重复自己,重复得多了,也就那样了。 7、 如何看待和参与音乐表演表现欲是人天生的欲望,个人看法,表演和练习在音乐进步中的作用同等重要,一个人关起门来弹琴是不可能有多大进步的,即使表演的时间比练习时间少得多,一个人独乐乐永远比不上众乐乐。现场表演带来的快乐像性高潮,自己有了成功的一次才能体会个中滋味。关于表演我个人曾经受到两种看法的影响,一种是在舞台上我行我素,不在乎观众的反应;另一种是为了观众的口味而表演和排歌,非常在乎观众的反应,其实一个好的表演者应该能做到这两种表演态度互相转换、游刃有余,在做好自己音乐的前提下,适当照顾观众。照顾观众非常重要,因为大家自己玩音乐,很容易一上台就自HIGH了,我原来认为只要音乐牛逼,低下自然会跟着HIGH,其实后来发现我错了,音乐再牛逼,我们业余弹弹琴,能牛逼过专家和大师么?可能性极小,因此在表演时照顾观众的情绪非常重要,例如自己想表演的歌本来是分解弹法,换到场合大一点的地方扫弦就多一些,HIGH歌和抒情歌最好搭配着来,High歌可以连HIGH,抒情歌最好不要一直抒下去,大场地现场表演尽量站着弹,多摆一点自认为帅的POSE,平时是装逼,音乐表演时就是牛逼。一首歌开始前,要么搞笑,要么煽情,要么装酷什么都不说直接开始,搭配着来,大家来看表演为求一乐,这没什么丢脸的。还有一点非常关键,感觉哪个设备或话筒还没调好,不要开始你的歌曲,哪怕让观众多等一会儿,否则一个话筒或一把吉他没出声,相信我,你到第二天都不爽。 浙江大学内的演出机会(我所知道的) 1、吉他协会 卡农协会 自由七音 各种艺术团举办的琴聚和音乐沙龙,一般每个社团每个长学期总会有一到两次吧,那么一个长学期就会有六七次。 2、各个学院的迎新晚会和毕业晚会,多如牛毛。 3、98坛庆 4、88飘渺新年流行歌会,每年12月 5、学生会每年的迎新晚会 6、88 夜未央音乐PARTY,玉泉草坪每年5---6月 (强烈推荐,气氛非常好) 7、杭州市区范围的爽动红趴弹唱会和虾米凡人弹唱会 这些演出机会进入门槛都是很低的,完全面向音乐爱好者开放,出了大学校门,如果不搞音乐方面的专业,绝对不会再有这么多的演出机会无条件向你开放。 8、如何创作(仅限歌曲)只说个人经验,因为写歌实在是一门太精深的艺术,这个不算经验,只算聊天,呵呵。我不同意说还没写歌呢,就歪歪我要写一首什么类型的歌,或者我这学期要写多少多少歌,这纯属扯淡。我赞成的创作观一定是生活中有什么事情触发了自己,引起了自己的感情波动,之后有可能是想表达一个态度,有可能仅仅是表达一种思考,甚至是稍纵即逝的一个感觉,如果你敏锐的捕捉到了,它很有可能就是副歌的第一句话,是整首歌曲的记忆点。必须说明,无论态度、想法还是感觉,根本推动力是人的情感,无论什么歌曲,没有情感的触发,都不可能感人,这种触发难道是个人可以计划的吗?明显不可能。被情感触发后,是不会想到写歌的,或者是想到写歌了,但当时没感觉,没感觉是很糟糕的,精彩的旋律、歌词和编曲都依赖感觉,因此还要出现下面的情境:一般来说,一天晚上你弹琴弹了两个多小时后,还不想放下它,很HIGH,情绪很激动,那段被触发的感情突然出现在脑海中,有一个旋律配合着吉他和弦一直在你脑海中萦绕,这就是最初的桥段,然后你会不由自主的在这种高涨情感的支配下在吉他上完善这首歌,这个过程可长可短。当然,如果你写着写着没感觉了,就把它放到那里,别去碰它,只要你经常练琴,过一段时间感觉又会来的。不过我很反对写歌的时候,还没完成,就去跟别人讨论,因为创作是完全自主的过程,又不是什么规划和方案,不管好坏,都是完成后再去听取别人的意见,最好不要没完成而去跟别人讨论下面该如何写词、写曲或编曲,这样创作的魅力会消失殆尽。如果让我给吉他学习含金量排个序,从低到高依次是:照谱弹,背谱弹,扒歌,表演,创作,这五个部分是金字塔,都是学习必须的,占用时间依次减少,但水平提升程度依次增多。比如说,你要熟悉C调的套路,可能需要背20首歌,但你只要创作一首歌,有可能C调的套路就掌握了。但切忌为了创作而创作,创作是那种可遇不可求的东西,想写歌的时候才写,跟我们自发写文章是一样的。创作时要用全力,任何一个部分都要自己满意,不能有一个部分自己不太满意,但是就这样吧,那么写出了歌首先不能让自己满意,如何能感动别人。当然了,一般来说,你练哪个歌手或音乐人的歌最多,写出来的歌也就像他(她),有可能是无意识的,也有可能是刻意模仿,这两者都可以,只要写出的曲子表达出了自己的真情实感就行。这就是我对民谣吉他中级进阶者想说的心理话,下面是两个资源。 资源: 9、我推荐的木吉他音乐上的资源演唱会陈绮贞《花的姿态》演唱会李宗盛《理性与感性作品音乐会》老鹰乐队《冰封地狱演唱会》齐秦《2003北京春分演唱会》 Eric Clapton 1992《unplugged》 涅槃乐队《纽约1992不插电演唱会》 许巍《留声十年绝版青春北京演唱会》 高旗《生命之诗不插电演唱会》 Tommy Emmanuel《center stage》作品音乐会,Tommy 其他的演奏会都不如这个随和、音乐表现力强。 在木吉他上编曲有特色而且著名的曲目(个人所知),按调性推荐: C调:《寂寞的季节》 《有多少爱可以重来》 《情非得已》 《宝贝》 《More than words》 《爱我别走》 《卡农》 《恋爱症候群》 《不让我的眼泪陪我过夜》 《after 17》 G调:《外面的世界》 《遇见》 《Wonderful tonight》 《表面的和平》 《花房姑娘》 《Now and Forever》 《Longer》 《cannonball》 《灰姑娘》 《她来听我的演唱会》 D调:《旅行的意义》 《寒雨》 《突然好想你》 《知足》 A调:《Tears in heaven》 《I’ll have to say I love you in a song》 《New York is not my home》 《开始懂了》 《If》 《那年的情书》 E调:《普通朋友》 《太聪明》 《野百合也有春天》(阿桑版)《如果爱》 《To be with you》注意,以上歌曲一定都要弹原版,不能弹简化版,只有弹原版才能提升自己的功力 推荐教材: 潘尚文《弹指之间》(强烈推荐) 王鹰、马鸿《民谣吉他大教本》 卢家宏《指弹吉他教程》 刘传《民谣吉他自学三月通》 《浙江民谣吉他考级教程》 《卡尔卡西古典吉他教程》
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